“Buried”, de Rodrigo Cortés / crítica / por Miss Mancini

Que el director de una película se presente a las 12 de la noche delante de su público no es muy normal, pero que además lo haga insultando a su audiencia: “pero.. ¿qué hacéis aquí? Sóis unos enfermos, ¿lo sabéis, no? Váis a estar hora y media viendo a un tío dentro de un ataúd… estáis a tiempo de iros” es algo fuera de serie. Rodrigo Cortés nos conquistó con sus bromas y nos dio las claves justas para no “spoilear” su peli pero fomentar todavía más el gusanillo que los que estábamos en la sala (Borja Cobeaga, el director de “Pagafantas” incluído) ya traímos de casa. Y cumplió las expectativas con creces. Hora y media de tensión, claustrofobia y mucha imaginación para contar una historia con un solo actor, un teléfono móvil y la escasa luz que la pantalla del móvil o un mechero proporcionan. Ryan Reynolds convence (habrá que ver la versión doblada en español) transmitiendo toda la desesperación de su personaje en una fatal cuenta atrás con un frenético final.

Ahí va el último consejo que nos dio el director antes de ver la película: “Respirad bien hondo porque os va a faltar el aire…” y esto sí que no era broma…

“Buried”, de Rodrigo Cortés / crítica / por Fernando Vera

El realizador Rodrigo Cortés, al que sigo desde sus tiempos en el cortometraje, comenta que su última pelicula “Buried”, tiene como objetivo hacer que el espectador salga de la sala con dos kilos menos, dada la tensión y la angustia provocada por la visión de la película. Cortés pisa un terreno muy difícil en esta película, no por la falta de espacio, recordemos que sus 93 minutos de metraje estan filmados con un solo personaje dentro de un ataúd, sino porque plantea una situación extrema, una situación que pasa del drama a lo patético en demasiadas momentos de la película. Y del patetismo a la risa existe un paso, y sinceramente no conozco a nadie que pierda dos kilos por reír. Entiendo que Cortés opta por no salir del ataúd, en su relato, porque quiere que me identifique con el personaje, pero no puedo, soy incapaz, es tan azarosamente malo lo que le ocurre a este pobre conductor que se hace inverosímil. Vuelve a haber, como en su primer largometraje, “El concursante”, opiniones y prejuicios maniqueos sobre lo malo que es el sistema, y lo malos que son los malos y lo buenos que son los buenos. Desde luego me quedo con la brillantez que Cortés demostraba hace unos años en sus cortometrajes, en los que estaba presente un sello muy personal, un alma. A favor de esta película diré que Cortés consigue mantener la atención del espectador durante hora y media filmando en el interior de un ataúd, y evocando a través del desafortunado personaje y su teléfono, todo un mundo ahí fuera, una tarea muy difícil, con una interpretación brillante de Ryan Reynolds, incluso sin renunciar a escenas de acción. En cualquier caso no importa lo bueno que se escriba sobre esta película, la apuesta en la distribución desde el otro lado del charco es rotunda, nada menos que 4.000 copias que espero, sinceramente, no entierren a este interesante realizador.

“Neds”, de Peter Mullan / crítica / por Fernando Vera

Pienso en el título “Neds (No educados y delicuentes)” y no parece adecuado, seguramente a esta pandilla del Glasgow de finales de los 70, incluido al protagonista, les habría ido mejor si no hubiesen sido educados, educados por un sistema educativo basado en la segregación, la exclusión y el castigo fisico. Es frecuente oír hablar ahora sobre la crisis en la educación, sobre la excesiva permisividad, la pérdida de valores, tan frecuente como no reparar en qué sistema ha educado a las generaciones anteriores. Peter Mullan, ya demostró su preocupación sobre la educación en su excelente “Hermanas de la Magdalena” (León de Oro en Venecia) y aquí en “Neds” vuelve a poner luz sobre un sistema educativo incapaz de ofrecer una salida a nuestro protagonisa, John McGill, un adolescente brillante en lo intelectual, pero que emocionalmente va desviando su rumbo progresivamente hasta liderar una pandilla en la que priman la violencia, las drogas baratas y sobre todo la pérdida de indentidad individual, en favor de la tribu. “Neds” es una película excelente, por el contenido y por la forma. “Neds” habla de cosas importantísimas en una sociedad como el entorno en el que se construye la personalidad de un ser humano, como marca. De la oportunidad perdida, encarnada en el personaje de la tía de John, que vive en Estados Unidos y le ofrece dejar ese Glasgow pobre para estudiar periodismo. Habla de la capacidad de redención, de cómo un error fatal puede marcar la vida de alguien. De la relación individuo-padre. De los inconvenientes de destacar sobre la media, tener la desfachatez de usar la inteligencia, ironiza uno de los profesores de John en la película. Pero “Neds” es excelente también en su forma, una película valiente con una cámara que se acerca que no esconde al espectador, una interpretación solida, un guión completísimo, con líneas argumentales abiertas cada poco tiempo y perfectamente cerradas y un espacio también para el sentido del humor. Cruda en algunos momentos, pero también emocionantísima. Mullan recuerda a un buen Loach, pero desprovisto de flema inglesa y armado con esa garra y rudeza escocesa. A mi juicio, Peter Mullan presenta en San Sebastián, una de las mejores apuestas para alzarse con la Concha de oro. ¿Un pero? El título, es feo y nada comercial.

“Rompecabezas”, de Natalia Smirnoff / crítica / por Miss Mancini

¿Se puede encontrar la felicidad “armando” las piezas de un puzzle? La respuesta es sí si lo que se busca es una vía de escape a una vida rutinaria y anodina en la que todos los días son exactamente iguales al anterior y al que vendrá mañana. La protagonista de “Rompecabezas”, una producción argentina que se presentó en la competición oficial de Berlín de este año después de ser galardonada con el Premio en Construcción de la 57 edición del Festival de San Sebastián, encuentra en su nuevo hobby la fuerza y la energía que le faltaban para salir de su zona de comfort y enfrentarse a retos para los que no se creía capacitada. Muy bien interpretada y con golpes de humor contados pero eficaces, el tempo de la primera película dirigida por Natalia Smirnoff nos habla de la invisibilidad y sus consecuencias y como pequeños actos, por insignificantes que sean, pueden devolver el coraje y la ilusión para enfrentarse a la vida.

“Happythankyoumoreplease”, de Josh Radnor / crítica / por Miss Mancini

Llega un momento en la vida de todo festivalero en que lo que te apetece es ver una película que te hable de tú a tú, que sea sencilla, directa y que se deje de vericuetos exitenciales y/o estéticos para llegar al fondo de la cuestión. La película que, en mi caso, lo consiguió este año fue “Happythankyoumoreplease”. Una de esas perlas de Zabaltegui que vino avalada por el premio del público en Sundance y que estuvo a punto de llevarse su homónimo en San Sebastián. Su director, el conocido actor Josh Radnor al que habréis visto de prota en “Como conocí a vuestra madre” y en otras muchas series, se luce en su primer experimento al otro lado de la cámara con la historia de tres amigos “peterpanescos” en Nueva York y sus vidas cruzadas. Nada nuevo bajo el sol, mucha influencia de Woody Allen y del primer Edward Burns… pero todo tan bien contado que cuando las luces se encienden de nuevo en la sala no puedes evitar tener una sonrisa de oreja a oreja y las ganas de salir corriendo en busca del amor verdadero.

“Mother and Child”, de Rodrigo García / crítica / por Elena Delso

“Mother and Child” ha sido la encargada de clausurar la 57 edición del Festival de San Sebastián.

La película, escrita y dirigida por Rodrigo García se proyectó en la gala de entrega de premios, fuera de concurso, con la presencia de éste y varios de los actores: Naomi Watts, Kerry Washington, y Jimmy Smits.

Es un drama en torno a la vida de tres mujeres: Karen, de 50 años, la hija que dio en adopción 37 años antes (Elisabeth), y Lucy, una afroamericana intentando adoptar un niño. Trata sobre las decisiones que toman, los cambios de rumbo y de carácter de sus protagonistas, y su relación con las personas de su alrededor. Se entremezcla gente de diferente raza y distinta ideología sin que sea el tema central del film.

Tres vidas con intersecciones, cada una con su búsqueda particular. Aunque a veces uno no encuentra exactamente lo que esperaba. Grandes actores y gran película, que ha tenido mucha aceptación por el público del Festival.

“Yo, también”, de Álvaro Pastor y Antonio Naharro / crítica / por Fernando Gracía Guía

La primera de las películas españolas a concurso fue acogida con calor por el público del Festival de San Sebastián. Y es que cuesta poco sentir empatía ante lo que los noveles Álvaro Pastor y Antonio Naharro nos cuentan: una historia sencilla, la de un enamoramiento, pero al mismo tiempo compleja, al ser el enamorado un muchacho con síndrome de Down.

Cómo no sentir simpatía ante el desparpajo de Pablo Pineda, en la vida real el primer licenciado universitario de tales características. El temor estaba en que los directores incurrieran en excesos ternuristas, pero afortunadamente no es así, y aunque la película, una vez planteada transcurre por senderos más o menos previsibles, se sigue con una sonrisa mientras da que pensar, lo que no es poco.

La destinataria de los amores de nuestro personaje es una mujer con aire de muy vivida, con un pasado tormentoso. Una mujer con fuerte carga sexual, que funde los plomos al joven, y que defiende con acierto y oficio Lola Dueñas.

Filme honesto, moderadamente atrevido, correctamente desarrollado y llamado a ser uno de los éxitos comerciales de nuestra maltrecha cinematografía.

“Blessed”, de Ana Kokkinos / crítica / por Elena Delso

En “Blessed”, película australiana de la sección oficial del 57 Festival de San Sebastián, varias historias de jóvenes escapados de sus casas se cruzan entre sí durante un día, parte de la cinta desde el punto de vista de unos niños, y luego desde el de sus madres. En esta historia se reflejan las debilidades de estas mujeres, que muchas veces están más perdidas e indefensas que sus hijos, y los problemas de las relaciones y la comunicación con ellos en la adolescencia.

Duros primeros planos, tanto como los relatos, y excelente música de Cezary Skubiszenski, que potencia unos y otros. Como escenario una zona residencial de Melbourne, lugar donde creció la directora de la película, pero “podría pasar en cualquier otro sitio”, como ella misma dice.

Asistimos a la rueda de prensa tras proyección en el Festival de San Sebastián, con su directora Ana Kokkinos (“Head On”, “The Book of Revelation”), el productor Al Clark (“Las Aventuras de Priscilla, Reina del Desierto”, “The Book of Revelation”), y una de las actrices, Miranda Otto (Eowyn en la trilogía “El Señor de los Anillos”, “La Guerra de los Mundos”, “La Delgada Línea Roja”, entre otros), en la que destacaron lo complicado que fue el casting, sobre todo el de los adolescentes -en el que participaron más de seiscientos jóvenes-, y la dificultad de interpretación de algunas escenas, por la intensidad emocional. Y por los datos que manejan de taquilla, el equipo se muestra satisfecho por la aceptación que va teniendo la película, estrenada hace dos semanas en 15 salas de Australia, y con mayor recaudación el segundo fin de semana que el primero: “Eso quiere decir que la gente recomienda verla a otros”.

Su productor Al Clark, que residió en Huelva hasta los 14 años, nos cuenta en castellano: “Una de las razones que me hizo decidir participar en el film fue que tras leer el guión lloré, y no se me podía olvidar la historia”. A nosotros tampoco.

En la imagen, Otto, Kokkinos y Clark. Fuente: Festival de San Sebastián.

“City of Life and Death”, de Chuan Lu / crítica / por Elena Delso

“City of Life and Death” es un film grabado en blanco y negro y con abundante empleo del gran angular, de bajo presupuesto, que ha tardado cuatro años en ver la luz por la extensa labor de preparación, postproducción y documentación. Narra la ocupación por las tropas japonesas de la capital provisional china en 1937. Su director, Lu Chuan, pretende “contar la masacre que ocurrió en Nanjing de forma objetiva” -por eso alterna el punto de vista de un bando con el del otro- e incluso llegó a comprar diarios de soldados japoneses y leyéndolos descubrió que “ellos eran también personas normales, no vacíos de sentimientos”. Prácticamente toda la película está basada en hechos reales, “sólo el baile del final es inventado, es como una metáfora”.

Calificada como la “Lista de Schindler asiática”, merece la pena verla, no sólo por la historia que nos cuenta, sino también por la puesta en escena. Interesante el papel que desempeñan algunas de las mujeres en el campo de refugiados, fuertes y sensibles al mismo tiempo, y el de un hombre alemán que logró salvar muchas vidas ayudando a los chinos. Impresionante película.

“Taking Woodstock”, de Ang Lee / crítica / por Fernando Vera

Contemplar la recreación que Lee hace sobre los conciertos de Woodstock, me invita a mirar a los hippies que acudieron durante esos días de agosto del 69 a las granjas de Bethel con cierta ternura. “Taking Woodstock” en realidad es una película que trata sobre el paso del tiempo, aquel en el que dejas de ser ingenuo y te conviertes en adulto. Elliot Tiber, un joven dispuesto a salvarse a sí mismo, reflotando el motel que sus padres regentan, vive ese tiempo en el verano del 69. El final de los sesenta pareció ser uno de esos momentos en los que diferentes partes del mundo se conjugan para gritar en una misma dirección, la primavera de Praga, el mayo francés o el propio movimiento hippie que clamaba por la paz y la libertad en EEUU. Y ese espíritu, en el que las personas, por alguna extraña razón, creen en algo que esta más allá de lo que tienen delante de sus ojos, está muy bien reflejado en la película. Elliot Tiber necesita un solución para que el motel de sus padres no sea embargado, así que ve algo muy claro en ese mas allá, si los conciertos de Woodstock no pueden celebrarse en Woodstock, los traigo a mi pueblo y consigo un extra de dinero, menudo extra, los datos oficiales hablan de que medio millón de personas acudieron al concierto. Quien estaba detrás de esta celebración de la paz, el amor y la ecología en la que miles de hippies llegaban hasta allí en coches que contaminaban por doquier. Un niño mimado de Nueva York y una serie de altos ejecutivos que le rondaban. A eso me refiero con que Ang Lee ha hecho una película sobre como dejas de ser un ingenuo y te conviertes en adulto, y lo hace muy bien, en ocasiones parece una película de los Cohen por un diseño de los personajes tan brillante y atractivo. Lo único que se le puede reprobar a Lee es no haber ido un poco mas allá, y dejar claro que a pesar de que el tiempo hace que podamos mirar con cierta envidia a aquella generación que vivió la música, la libertad, los viajes lisérgicos y la paz en esa especie de limbo de barro que fueron los conciertos, hoy somos más pacifistas, mas ecologistas y hay un mayor número de personas con conciencia política que a finales de los sesenta, ¡el hombre para entonces estaba en la Luna!. Bueno hay otra cosa que se le puede reprobar, que venga a decir a la rueda de prensa del Festival de San Sebastián que tenía ganas de hacer una comedia, no paras de reírte en esta película, pero Ang Lee es tan listo que no dejará que te vayas a casa con esa sonrisa, no se puede ser ingenuo al ver “Taking Woodstock”.